Mostra “Hanji. Officine didattiche” Alla ricerca di se stessi con la Carta dei mille anni
Inaugurazione mostra: Mercoledì 22 Giugno 2022, ore 19:00
Periodo mostra: dal 23 Giugno al 26 Agosto 2022 Istituto Culturale Coreano, primo piano “Sala Esposizioni” – Via Nomentana 10/12, 00161, Roma ⠀ * Si tratta di una nuova mostra diversa da “CartaCoreana” terminata il 22 maggio ⠀ La carta coreana Hanji, chiamata anche carta millenaria per la sua grande durevolezza, diventa la materia principale del progetto espositivo realizzato in collaborazione tra Istituto Culturale Coreano e Accademia di Belle Arti di Roma che sarà aperto al pubblico dal 22 giugno al 26 agosto.
Mysticism, whether atheistic or otherwise, has always welcomed a spectrum of experiences valued primarily for their absurdity and futility. The experience of asemic writing, whether one is attempting to write it or attempting to read it, is fundamentally a mystical experience. It is The Face That Is No Face, the Via Negativa.
Let’s say I make a sequence of tangled squiggles, with baggy loops here, jagged-edged bulges there, poncruated with curatorial punctuation marks in the form of randomly tilted ascenders and descenders, moving suggestively from left to right on the foundation of an imaginary baseline. It looks like writing, but we can’t read it, says the entry at Wikipedia. It must be asemic writing, says a contextualized leap of faith.
What if it is, in theory and in practice, experientially, a kind of quasi-calligraphic drawing?
This is not the Via Negativa. It is direct experience of the mystery. Direct Experience of The Mystery. There is no wrong reading, judged and condemned by official authorities on the matter. There are no Official Authorities on the matter. And there is no range of acceptable interpretations of the experience, no spectrum of permitted discourse about the acceptable interpretations. There is no attempt at reading, not of any variety, and therefore there is no writing, of any variety, asemic or otherwise.
Asemic writing, in its absolute failure to exist, can function in our lives as a kind of pagan spiritual discipline, one designed to give us greater access to the experience of experience.
To the extent that The Absurd is a characteristic, or even at times a category of the historical avant garde, it can be asserted that asemic writing functions as a continuation of the theory and practice of the avant gardes (plural, at least since the end of WWII) in the form of a self-actualizing multitude of willful absurdities.
If the absurd is the incongruous, as Albert Camus asserted in The Myth of Sisyphus, then the simultaneous presence of the written and the unreadable is a classic example of absurdity, in its most uncontestable, experiential form.
Whereas absurdity under normal conditions requires a clash of juxtaposed items or ideas, asemic writing only requires itself, as a self-contained absurdity.
A self-contained absurdity is a Magickal Absurdity. It offers itself as a reality, of a type that should not exist. It troubles the stability of the psyche, as if for a fleeting moment there is no distinction between Sisyphus and Icarus, as if both are merely variations on the theme of Tantalus.
Desire, as often as not frustrated, thwarted, derailed, detoured, imbricate and futilitarian, anachronistic, impoxximate, inverted — invertebrate — involuntary, and/or joylessly reinsinuated,
stands,
sits,
lies
at the unsettled center of all considerations concerning the function of absurdity in everyday life.
In the case of asemic writing, we desire for that which is certainly not asemic to nonetheless function in our everyday lives as if it clearly is asemic and nothing else.
Absurdity is a very particular and peculiar variety of desire.
We want the world to be not only other than what it is — we want it to be precisely that which it can never be.
That variety of desire is precisely the allure of asemic writing. It is the distilled quintessence of its magickal absurdity.
That is not only why, but how, the practice of asemic writing reinvents itself, over and over, across centuries and cultures, one generation after another into the present.
Pour le prochain numéro d’un rectanglequelconque, vous pouvez nous envoyer vos textes en français, images, (3 pages A4 maximum svp), happenings, performances de l’écran, mots doux, poème visuel hard, bref, tout ce qui rentre dans trois pages A4 maximum.
Date butoir (et non deadline) : dimanche 21 août à 23h57.
For the nextissue of un rectangle quelconque you can send us, if you so wish, your texts in English, pictures, (3 A4 pages maximum please), happenings, screen performances, sweet words, harsh vispo poems, well, all that fits in three A4 pages maximum.
Deadline (not date butoir) : Sunday 21st August at 11:57 p.m.
Adresse | address : revueunrectanglequelconque at gmail.com
āāā azioni off kulchur 1969 TOOL editoria clan destina
āāā. azioni off kulchur è una rivista milanese co-fondata e co-diretta da Ugo Carrega, pubblicata a Milano. L’altro membro fondatore e redattore dagli Stati Uniti è stato Mario Diacono. Liliana Landi ne ha curato l’impaginazione. La rivista Includeva ritagli di testi, opere e foto di interventi di artisti che sperimentavano poesia visuale in ambito italiano e internazionale. Stampata in ciclostile, in fogli sciolti non rilegati. Consta di tre numeri, pubblicati tra il febbraio e il giugno 1969.
Redazione: Ugo Carrega e Mario Diacono. Testi di Ugo Carrega., Mario Diacono, Jean-Claude Moineau. Opere e interventi di Ugo Carrega, Mario Diacono, Rolando Mignani, Emilio Villa, Edgardo Vigo, Jean-Claude Moineau, Joel Rabinovitz, J.F. Dillon, T. Shohachiro, Vincenzo Accame, Hidetoshi Nagasawa, Hamilton Finlay e M. Allan, Davanzo and Gunzberg, A. Dias, H. Clavin, Giose Rimanelli et alii.
“Langue&Parole”, un progetto a cura di REPLICA e PIA.
In occasione di CAPRIOLA | AN ART WEEK IN LECCE, REPLICA presenta Langue&Parole, una selezione di libri d’artista e di riviste storiche provenienti dal proprio archivio. Quaranta volumi, oltre a presentarsi come materiale di studio per gli studenti della scuola PIA, daranno forma ad una mostra per gli spazi della Biblioteca Braille dell’Istituto Anna Antonacci di Lecce, che sarà dedicata al linguaggio, alla scrittura creativa e alla poesia verbo visiva. Il progetto espositivo include un invito rivolto all’artista e performer Caterina Dufi che si occuperà di dare voce ad alcuni estratti tratti dai libri sabato 2 luglio alle ore 19.30.
Nell’ambito di CAPRIOLA | AN ART WEEK IN LECCE Dal 26 giugno al 3 luglio 2022 Location: Biblioteca Braille – Istituto ‘Anna Antonacci’, Lecce (Via de Summa 1) Lettura: sabato 2 luglio, ore 19.30
Il nome del progetto vuole evocare la dicotomia linguistica teorizzata da Ferdinand de Sassure (1916) tra ‘langue’ e ‘parole’, una distinzione che ha segnato non solo la storia della linguistica ma anche quella dell’arte visiva. Il linguaggio è un sistema individuale e sociale in continua evoluzione che consta di due parti: la langue che si costituisce grazie a un sistema di segni convenzionali e astratti e la parole, atto individuale e concreto con cui ogni uomo e donna esprime il proprio pensiero.
Con l’arrivo delle Neoavanguardie poetiche, gli artisti hanno voluto sottolineare come nella nuova cultura di massa chiamata anche “cultura del neo-ideogramma” in cui è l’immagine a prevalere come strumento linguistico. Da qui la provocazione dei poeti delle Neoavanguardie, dove la parola diventa autoreferenziale: una parola-oggetto, capace di creare una contaminazione tra segni linguistici e segni visivi, nel tentativo di strutturare un codice linguistico alternativo in opposizione ai linguaggi mass-mediatici. L’interesse al linguaggio e ai suoi innumerevoli aspetti è tuttora un tema caro agli artisti contemporanei, soprattutto in quelli in cui la pratica del libro d’artista diventa il fil rouge della loro poetica. Nella selezione di libri e riviste proposta da REPLICA, segni visivi e verbali insieme a narrazioni poetiche si mostrano in un reciproco equilibrio senza subordinarsi a vicenda, raccontando in modo sintetico più di cinquant’anni di ricerche artistiche dedicate al linguaggio.
Tra gli artisti presenti in mostra: Adriano Spatola, Andrea Astolfi, Bruno Munari, Claudio Costa, Claudio Salvi, Costanza Candeloro, Corrado Costa, David Horvitz, Diego Marcon, Elena Mazzi, Emilio Isgrò, Federico Antonini, Francesco Pedraglio, Giorgia Garzilli, Giorgio Cellini, Jesper List Thomsen, Luisella Carretta, Mario Diacono, Maria Luisa Spaziani, Matteo Fato, Paul Becker, Peter Fischli & David Weiss, The Yes Men, Thomas Berra.
Giuseppe Garrera parla delle copertine di dischi di Bruno Munari e Luigi Ghirri. La mostra IMAGES FOR SOUNDS: Artist Covers for Music Records è a cura di Vittoria Bonifati.
Regia e Montaggio di Michele Ferrari. VILLA LONTANA, Roma
Giuseppe Garrera talks about the record covers designed by Bruno Munari and Luigi Ghirri. The exhibition IMAGES FOR SOUNDS: Artist Covers for Music Records is curated by Vittoria Bonifati.
Camera operator and editing Michele Ferrari. VILLA LONTANA, Rome
MARIO DIACONO a METRICA n’aboolira JCT, San Francisco, 1969
Libro d’artista costituito da tre pagine introduttive con un fumetto detournato a cui segue il frontespizio stampato in nero e arancio. Le altre pagine sono percorse da strisce variamente disposte orizzontalmente, di diversa larghezza e lunghezza e di colore arancio e bleu: chiara ripresa in termini esclusivamente visuali dell’opera di Stéphane Mallarmé «Un coup de dès jamais n’abolira le hazard» nell’edizione Gallimard pubblicata postuma (1914), in cui le parole sono disposte variamente sulla pagina bianca secondo le disposizioni del poeta.
La stessa operazione artistica viene compiuta nello stesso anno da Marcel Broodthaers con il suo: «Un Coup de Dés Jamais N’Abolira Le Hasard. Image»: le parole del testo di Mallarmé sono sostituite da strisce nere corrispondenti esattamente al layout tipografico usato per articolare il testo originale: i versi vengono resi illeggibili e le pagine trasformate in immagini. E’ da notare che l’anno di pubblicazione del libro di Diacono è il 1969 come dichiarato al colophon e non il 1968 come dichiarato in varie bibliografie. “1968” è semplicemente l’anno di redazione, indicato al frontespizio e nel copyright: “S. Mallarmé – M. Diacono 1897-1968”.
“Quando costruivo JCT 1 [A metrica n’aboolira], non avevo idea di cosa Broodthaers stesse facendo. Certamente qualcosa “era nell’aria”. La devoluzione della scrittura poetica in direzione astratta iniziata dalla poesia concreta doveva in qualche modo arrivare a una forma di cancellazione come affermazione. Mallarmé era l’archetipo che doveva essere confrontato” (Mario Diacono, testo tratto da una e-mail inviata il 20.04.2019 da Mario Diacono a Paolo Tonini).
COLLABORATIONS Mumok Vienna July 2–November 6, 2022
Departing from the focuses of the Mumok collections on the avant-garde of the 1960s and 1970s as well as conceptual and socio-analytic approaches in contemporary art, the exhibition Collaborations examines diverse strategies of collective authorship. The exhibition builds a bridge spanning from the smallest to the largest unit of togetherness: from the internal ties of the collective to a particular constellation of the connective, from the artist duo to society—and last but not least, from the love affair to the interconnectedness of life.
The exhibition investigates how artistic models of a “we” can be cultivated for life together as a society: What does collaboration mean in the twenty-first century when fundamental social structures continue to dissolve? How have artists responded to such social and political developments over the decades and what is their position today? How thin is the line between the critique and affirmation of neoliberal structures when building relationships is at risk of becoming an efficiency and profit-driven measure in the artistic realm, too? How can collectivity in thoroughly heterogeneous contexts serve as a social and artistic model of thought and action, when not by accepting the simultaneity of disparate or even contrary elements?
In times of networked connectivity, a look back into art history might advance the current discussion about collaborative action—beyond conventional, social, and national borders. As a movement that not only fundamentally revolutionized artistic production, distribution, and reception paradigms but also originated numerous strategies that represent, as it were, predigital antecedents to algorithms, interconnected networks, and associated models of communitization, the Fluxus movement founded in the 1960s forms the nucleus of the presentation. In addition to the expansion of the typologies of works, image and object traditions, and artistic and participative methods, which were formative for the neo-avant-garde of the mid-twentieth century, the emphasis is placed specifically on the will and ability of artists to go beyond their personal scope in experimental collaborations with colleagues, to allow for change along with the shift in perspective on their own practice.
Collaborations highlights key aspects of the Mumok collection by exhibiting works that operate primarily on a meta-reflexive level. What these works, which often emerged in collective processes, have in common is that they all reflect on ways of living and working together. While the curatorial approach examines artist collectives and their underlying mechanisms and logics, it also frames acting itself as a form of collectivity—a form of acting that equally acknowledges the artistic expressions of individuals as well as those of groups or other models conceived as affiliations and alliances of the participants. The utopian potential of collaborations to transcend Western patriarchal power relations and art market logics of originality and solitary authorship and thereby provoke social change seems to be unwavering.
Artists: Marina Abramović & Ulay, Ant Farm, Art & Language, Martin Beck, Bernadette Corporation, Anna & Bernhard Blume, George Brecht, Günter Brus, John Cage, Merce Cunningham, Chto Delat, Leidy Churchman, Clegg & Guttmann, Phil Collins, Bruce Conner, DIE DAMEN, Jean Dupuy, VALIE EXPORT, Peter Faecke and Wolf Vostell, Robert Filliou, Rimma Gerlovina & Valeriy Gerlovin, Gilbert & George, Manfred Grübl, Andreas Gursky, Richard Hamilton and Dieter Roth, Haus-Rucker-Co., Christine & Irene Hohenbüchler, IRWIN, Ray Johnson and Berty Skuber, On Kawara, Friedrich Kiesler, Alison Knowles, Brigitte Kowanz and Franz Graf, Louise Lawler, Lucy R. Lippard, Sharon Lockhart, George Maciunas, Larry Miller, Ree Morton, Otto Muehl, museum in progress, Moriz Nähr, Natalia L.L., Otto Neurath, Yoko Ono, Nam June Paik, Stephen Prina, Jörg Schlick, Hubert Schmalix, Secession, Seth Siegelaub, Christian Skrein, Daniel Spoerri, Petr Štembera and Tom Marioni, Thomas Struth, Timm Ulrichs, VBKÖ, Kerstin von Gabain and Nino Sakandelidze, Franz Erhard Walther, Robert Watts, Franz West, Wiener Gruppe, Oswald Wiener, Heimo Zobernig and others; with the video series lumbung calling from documenta fifteen, curated by ruangrupa.
Curated by Heike Eipeldauer and Franz Thalmair. Exhibition design by Anetta Mona Chişa & Lucia Tkáčová
Image: Ulay, Marina Abramovć, Breathing In / Breathing Out, 1977
